Fibonacci Stained Glass Project (deutsch)

Fibonacci Stained Glass Project

komplette Serie gedruckt auf

Hahnemühle Museum Etching 350 g

90 x 90 cm

Auflage auf fünf Exemplare limitiert

Holger Roick

2025

Fibonacci-Reihe 1 – 2 – 3 – 5 – 8 – 1 3 – 2 1 – 34 – 55

Die Präsentation der gesamten Serie auf einem Bild garantiert einen intensiven Dialog zwischen Kunst und Wissenschaft. Der Aufbau ist nicht zufällig. Die neun Quadrate folgen der Reihenfolge der Fibonacci-Reihe: In der Mitte befindet sich die Zahl Eins, was bedeutet, dass die geheimnisvolle Figur, die die gesamte Serie begleitet, nur einmal vorkommt. Rechts daneben befindet sich die Zahl Zwei; die mystische Figur erscheint zweimal. Darunter, in der rechten Ecke, befindet sich die Zahl Drei; links davon die Zahl Fünf; in der unteren linken Ecke dann die Zahl Acht; darüber die Zahl 13; in der oberen linken Ecke die Zahl 21; rechts davon die Zahl 34; und schließlich, in der oberen rechten Ecke, die Zahl 55. Die rätselhafte Figur ist auf diesem Bild ganze 55 Mal zu entdecken.   Die Fibonacci-Folge ist eine mathematische Folge, bei der sich jede Zahl aus der Addition der beiden vorhergehenden Zahlen ergibt. Diese Progression spiegelt effiziente und harmonische natürliche Wachstumsmuster wider. In der Natur zeigt sie sich in der Anordnung von Blättern, der Form von Muscheln, den Spiralen von Sonnenblumen und Tannenzapfen und sogar in Naturphänomenen wie Stürmen und Hurrikanen, deren Spiralform der ‘goldenen Spirale’ ähnelt. Auch Spiralgalaxien wie die Milchstraße weisen diese Muster auf und die Fibonacci-Folge erscheint nicht nur in sichtbaren Formen, sondern auch in Wachstumsprozessen, Effizienzberechnung und Symmetrie. Ihre Präsenz deutet auf eine innere Logik in der Evolution lebender Formen hin, die von Proportionen geleitet wird, die Schönheit und Funktionalität in Einklang bringen.

Fibonacci Stained Glass Window

Fibonacci Stained Glass Window

Neun von 362.880 Versionen aus der kompletten Serie

90 x 90 cm

Holger Roick

2025

Unlimitierte Auflage

                                                                                                                                                                  

Der grandiose Schlussakt von ’Mystik, Kunst und Wissenschaft’ nach inzwischen viereinhalb Jahren ist eine Explosion der Farben. Eine dieser Farben fällt dabei besonders ins Auge, das Blau von ‘The Mirror’. Der Blick fällt zuerst auf diese Spiegel und man erkennt, dass alle Phänomene immer auch man selbst ist. Mit der Präsentation dieses letzten Werks der Serie verspricht sie einen kraftvollen und bleibenden Dialog zwischen Kunst und Wissenschaft. Lassen Sie sich von der zufälligen Anordnung der neun Quadrate überraschen. Insgesamt gibt es 362.880 Möglichkeiten. Genug für verschiedenste Buntglasfenster (fast) jeder Größe!

Fibonacci Grey Stained Glass Window

Fibonacci Grey Stained Glass Window

Neun von 362.880 Versionen aus der kompletten Serie in grau

90 x 90 cm

Holger Roick

2025

Unlimitierte Auflage

 

Das Ende der Vorstellung, der Vorhang ist gefallen. Nur ein kleines letztes Licht fällt noch durch die Ritzen und erhellt die Erkenntnis: Grau ist das neue bunt! Eine gewagte Behauptung. In dem Buch „Wer noch kein Grau gedacht hat – Eine Farbenlehre“, gibt der deutsche Philosoph Peter Sloterdijk darüber Aufschluss. Sloterdijk nutzt die Farbe Grau als philosophisches Leitmotiv, um durch die Geistes-, Kunst- und Mentalitätsgeschichte zu wandern. Inspiriert von Cézannes Aussage, man sei kein Maler, solange man kein Grau gemalt habe, überträgt Sloterdijk diese Idee auf die Philosophie. Grau wird zur Metapher für Nuancen, Ambivalenz und das Zwielicht des Daseins. Der Autor untersucht das Grau als Symbol für Zwischenzustände und Reflexion. Es gelingt ihm, eine scheinbar unscheinbare Farbe in ein intellektuelles Abenteuer zu verwandeln. Grau steht für das Denken in Zwischenräumen, für die Ablehnung von Simplifizierung und für eine Haltung der differenzierten Wahrnehmung. Es geht um das Sehen, das Denken und das Verstehen – jenseits von Schwarz und Weiß. Wer Grau „gedacht“ hat, hat gelernt, mit Unsicherheit, Paradoxien und Mehrdeutigkeit zu leben. Es ist ein Zeichen intellektueller Gelassenheit. Grau wird zur Farbe der Gegenwart, der „postheroischen“ Zeit, in der große Erzählungen verblassen. In einer Welt der Überreizung und Polarisierung bietet Grau einen Rückzugsort für das Denken. Das Bild lädt dazu ein, die Welt nicht in Extremen zu sehen, sondern in Übergängen, Abstufungen und feinen Differenzen. Es reflektiert über das Sehen und das Denken, über die Kunst der Nuance und die Schönheit des Unscheinbaren. Die gesamte Serie ist letztendlich eine Ermunterung dazu, über alltägliche und nicht ganz alltägliche Ereignisse und Erscheinungen nachzudenken und sie in ihrer Besonderheit schätzen zu lernen. Der Kreis hat sich nun wieder geschlossen. Das Bild wirft ein letztes Licht auf das, womit alles begann, auf die kleine, unscheinbare aber mysteriöse Form im Wandputz einer Kirchenmauer, ein ins Holz geschnittene Zeichen aus Licht und Schatten.

Alle Bilder gedruckt auf 100% Baumwollpapier ‚Museum Etching‘ der Marke Hahnemühle mit einem Gewicht von 350 g 

 

 

                                               

 

Fibonacci Stained Glass Project (español)

 

Fibonacci Stained Glass Project

Serie completa impreso en

Hahnemühle Museum Etching 350 g

90 x 90 cm

Edición limitada a cinco ejemplares

Holger Roick

2025

Serie Fibonacci 1 – 2 – 3 – 5 – 8 – 1 3 – 2 1 – 34 – 55

La presentación de toda la serie en una sola imagen garantiza un diálogo intenso entre arte y ciencia. La distribuicion e esta pieza no es al azar. Los nueve cuadrados siguen en el orden de la serie Fibonacci: el centro es el uno, quiere decir que la figura misteriosa que acompaña a toda la serie esta presente una sola vez. La siguiente imagen a la derecha del uno es el dos, la figura mística aparece dos veces. Debajo de ella, en la esquina derecha, se encuentra el tres, a su lado izquierdo es el cinco, en la esquina izquierda abajo encontramos el ocho, arriba de ese está el 13, en la esquina izquierda arriba tenemos el 21, a su lado derecho el 34 y al final, en la esquina derecha arriba es el 55, la figura enigmática está 55 veces presente en la imagen.                                                                                                                      La serie de Fibonacci es una secuencia matemática donde cada número resulta de sumar los dos anteriores. Esta progresión refleja patrones de crecimiento natural eficientes y armónicos. En la naturaleza, aparece en la disposición de hojas, la forma de conchas, las espirales de girasoles y piñas e incluso en fenómenos naturales como tormentas y huracanes, donde sus formas espirales se asemejan a la espiral áurea. Las galaxias espirales como la Vía Láctea también muestran estos patrones y la serie no solo aparece en formas visibles, sino también en procesos de crecimiento, eficiencia y simetría. Su presencia sugiere una lógica interna en la evolución de formas vivas, guiada por proporciones que equilibran belleza y funcionalidad.

 

Fibonacci Stained Glass Window

Nueve de 362,880 posibles versiones 

90 x 90 cm

Edición no limitada 

Holger Roick

2025

El gran acto final de ‘Misticismo, Arte y Ciencia’ tras cuatro años y medio es una explosión de color. Uno de estos colores llama especialmente la atención: el azul de ‘The Mirror’. La mirada se dirige primero a estos espejos, y uno se da cuenta de que todos los fenómenos que conocemos siempre también son uno mismo. Con la presentación de esta última obra, la serie promete un diálogo poderoso y duradero entre el arte y la ciencia. Déjate sorprender por una distribuicion al azar te los nueve cuadrados. Hay un total de 362,880 posibilidades. ¡Suficiente para vitrales siempre variados de (casi) cualquier tamaño!

Fibonacci Grey Stained Glass Window

Fibonacci Grey Stained Glass Window

Nueve variaciones de la serie completa en gris 

90 x 90 cm 

Edición no limitada

Holger Roick

2025

El final de la función, el telón se cerró. Solo una pequeña luz se filtra entre los pliegues, iluminando lo comprendido: ¡El gris es el nuevo coloreado! Una afirmación audaz. En su libro "Gris - El color de la  contemporaneidad", el filósofo alemán Peter Sloterdijk arroja luz sobre este tema. Sloterdijk utiliza el gris como leitmotiv filosófico para explorar la historia del pensamiento y el arte. Inspirado por la afirmación de Cézanne de que uno no es pintor hasta que pinta el gris, Sloterdijk aplica esta idea a la filosofía. El gris se convierte en una metáfora de los matices, la ambivalencia y el alba de la existencia. El autor examina el gris como símbolo de estados intermedios y reflexión. Consigue transformar un color aparentemente discreto en una aventura intelectual. El gris representa el pensamiento en los intersticios, el rechazo a la simplificación y una postura de percepción diferenciada. Se trata de ver, pensar y comprender, más allá del blanco y negro. Quien haya "pensado" en el gris ha aprendido a vivir con la incertidumbre, las paradojas y la ambigüedad. Es un signo de serenidad intelectual. El gris se convierte en el color del presente, la era posheroica en la que las grandes narrativas se desvanecen. En un mundo de sobreestimulación y polarización, el gris ofrece un refugio para la reflexión. La imagen nos invita a ver el mundo no en extremos, sino en transiciones, gradaciones y sutiles diferencias. Reflexiona sobre la visión y el pensamiento, sobre el arte de los matices y la belleza de lo discreto. Al fin, toda la serie invita a reflexionar sobre los acontecimientos y fenómenos cotidianos y no tan cotidianos y a apreciar su singularidad. El círculo se ha cerrado. La imagen arroja una última luz sobre el inicio: la pequeña y discreta forma encontrada en el yeso de la pared de una iglesia, un signo de luz y sombra tallado en madera.

Todas las imagenes impreso en papel

Hahnemühle 'Museum Etching' de 350 g

 

 

 

                                              

Dear Leonardo! (español)

 

Dear Leonardo!

 60 x 60 cm

Hahnemühle Museum Etching 350 g

Holger Roick

2025 

#9 Dear Leonardo! (número 21 en la serie de Fibonacci)

«Estimado Leonardo, para mí eres la encarnación de las ciencias de la ingeniería. Te escribo para contarte de un delicado y fundamental cambio en la ingeniería en nuestro tiempo.»                                                                                                                                                                                                   Con la obra Dear Leonardo! concluyo mi serie Mística, Arte y Ciencia, compuesta por nueve piezas, cada una dedicada a una disciplina científica distinta. Comencé en 2021 con la astrología y luego seguí mi intuición. Desde el inicio supe que terminaría con las ciencias de la ingeniería: no solo aplican conocimientos científicos, sino que a menudo los preceden. Quería que esta última obra estuviera dedicada a ti, uno de los más grandes sabios universales y visionario del arte y la ciencia.

Para este acto final quise utilizar la herramienta más poderosa de los ingenieros actuales: la inteligencia artificial.

«Leonardo, yo tenía la ingenua esperanza de lograr –como tú en tu tiempo– un hito en el arte visual.»
Pero en 2025, la IA ya no representa innovación en la creación artística. Por eso decidí realizar la obra como siempre lo había hecho hasta ahora. La conexión contigo establecí a través de tu dibujo "L'Uomo Vitruviano". El ser humano como medida de todas las cosas, como espejo del universo – en mi obra flota en el agua, sus proporciones se disuelven, la simbología cósmica se desvanece: el círculo (lo divino) y el cuadrado (lo terrenal) ya han desaparecido por completo.

«¿Leonardo, te preguntarás por qué 21 figuras extrañas forman una pirámide?»
El número 21 – producto de 3 (estabilidad) y 7 (perfección espiritual) – simboliza plenitud, totalidad y desarrollo creativo como un ciclo que se completa y crea espacio para algo nuevo. Constituye la base para la pirámide, que aparece como símbolo de la ingeniería humana.

«¿Y qué significan esas figuras?»
Una forma ambigua recorre toda la serie – ¿una flor, un árbol, un ángel o el alma? La IA las interpreta como manos; en esta imagen en específico las ve como seres coralinos. Transparentes y vulnerables, se agrupan como acróbatas en una pirámide: un intento de crear algo grandioso pese a su fragilidad, antes de que las nuevas tecnologías vuelvan obsoleta toda obra humana.

«Como puedes ver, querido Leonardo, la pirámide aún se sostiene en tierra firme, pero ojo, está construida sobre arena.»
Amenazada por el mar, puede desaparecer en cualquier momento. La playa, frontera entre tierra (estructura) y mar (inconsciente), es un lugar de transformación. El ser humano se encuentra entre el mundo y el espíritu, entre el caos y el orden. Las figuras transparentes evocan la permeabilidad mental – la búsqueda de claridad y verdad interior. Son personas sencillas, pero con conocimientos técnicos que han creado una maravilla con un aire barroco: llena de contrastes, profundidad espiritual y belleza efímera. Luz y sombra, teatralidad e ilusión se funden en una obra total que conmueve – y que pronto será arrasada por el progreso.

«El ser humano mismo lo ha querido así mi estimado Leonardo, lo nuevo ya se insinúa: sin adornos, perfecto y veloz.»
Quise explicarte esta nueva tecnología: el algoritmo de IA es un procedimiento matemático que aprende de datos, reconoce patrones y toma decisiones – autónoma y eficientemente. Pero esta evolución amenaza nuestra visión del mundo, forjada desde el Renacimiento. Tu perspectiva integral – arte, ciencia, técnica y filosofía como unidad – se ve reemplazada por una visión fragmentada y basada en datos. Donde antes reinaban el conocimiento, la belleza y la armonía, hoy dominan la eficiencia y el control. El Renacimiento medieval se convierte en un nuevo Barroco: la IA automatiza el asombro, genera arte y filosofía, pero sin conciencia del significado.

«Por eso, querido Leonardo, te escribo sobre mi desgana, mi duda y mi miedo de seguir creando.»
¿Hay esperanza? Sí, tal vez, si no permitimos que el suelo nos sea arrancado de debajo de los pies tan fácilmente como lo muestra la imagen. Tal vez, si entendemos la IA no como sustituto, sino como extensión del pensamiento humano. Si no te olvidamos Leonardo da Vinci, sino que aprendemos a reinterpretarte. La IA puede – como tus dibujos – revelar conexiones complejas y tender puentes interdisciplinarios. Pero su existencia nos obliga a repensar la humanidad, la creatividad y la responsabilidad – como lo hizo el Renacimiento.

Fibonacci Stained Glass Project

Serie completa impreso en

Hahnemühle Museum Etching 350 g

90 x 90 cm

Holger Roick

2025

Con la presentación de esta última pieza, la serie promete desencadenar un poderoso diálogo entre el arte y la ciencia. Te invito a dejarte sorprender con la distribuicion te los nueve cuadrados a tu propio gusto. ¡Hay un total de 362.880 posibilidades diferentes!

Dear Leonardo! (deutsch)

Dear Leonardo!

 60 x 60 cm

Hahnemühle Museum Etching 350 g

Holger Roick

2025 

 #9 Dear Leonardo! (Nummer 21 in der Fibonacci Serie)

„Verehrter Leonardo, du bist für mich der Inbegriff aller Ingenieurskunst. Ich schreibe dir, um dir etwas Wichtiges aus unserer Zeit zu berichten.“
Mit dem Bild Dear Leonardo! beschließe ich meine Serie Mystik, Kunst und Wissenschaft, bestehend aus neun Werken, die jeweils einer besonderen Wissenschaft gewidmet sind. Begonnen habe ich 2021 mit der Astrologie, danach folgte ich meiner Intuition. Von Anfang an war mir klar, dass ich mit den Ingenieurswissenschaften enden würde – sie sind nicht nur Anwender naturwissenschaftlicher Erkenntnisse, sondern oft deren Wegbereiter. Das letzte Bild sollte dir gewidmet sein, einem der größten Universalgelehrten und Vordenker für Kunst und Wissenschaft.                                                               
Für diesen Schlussakt wollte ich das mächtigste Werkzeug heutiger Ingenieure einsetzen: die Künstliche Intelligenz. Ich war der naiven Hoffnung, damit – wie du einst – einen Meilenstein in der visuellen Kunst zu setzen. Doch 2025 ist KI keine Innovation mehr für die Kunstproduktion. So entschied ich mich, das Bild wie bisher selbst zu gestalten.

„Die Verbindung zu dir, mein lieber Leonardo, habe ich über deine Zeichnung L’Uomo Vitruviano hergestellt.“
Der Mensch als Maß aller Dinge, als Spiegel des Universums – bei mir treibt er im Wasser, seine Proportionen lösen sich auf, die kosmische Symbolik ist verloren: Der Kreis (das Göttliche) und das Quadrat (das Irdische) sind schon verschwommen.

„¿Leonardo, du wirst dich fragen, warum 21 seltsame Figuren eine Pyramide bilden?“
Die Zahl 21 – als Produkt von 3 (Stabilität) und 7 (spirituelle Vollkommenheit) – steht für Erfüllung, Ganzheit und kreative Entfaltung, als ein Zyklus, der abgeschlossen ist und Raum für Neues schafft. Sie bildet die Grundlage der Pyramide, die als Symbol menschlicher Ingenieurskunst erscheint.

„Doch was hat es mit den Figuren auf sich?“
Eine mehrdeutige Form zieht sich durch alle Werke der Serie – Blume, Baum, Engel oder Seele? Die KI sieht darin Hände; in diesem Bild interpretiert sie die 21 Figuren als korallenförmige Wesen. Transparent und verletzlich formieren sie sich wie Zirkusakrobaten zur Pyramide – ein Versuch, trotz Zerbrechlichkeit etwas Großartiges zu schaffen, bevor neue Technologien alles Menschengemachte obsolet machen.

„Wie du siehst, lieber Leonardo, steht die Pyramide am Meer noch auf festem Boden – wenn auch auf Sand gebaut.“
Sie ist bedroht, jederzeit vom Wasser umspült und zerstört zu werden. Der Strand als Grenze zwischen Land (Struktur) und Meer (Unbewusstes) wird zum Ort der Wandlung. Der Mensch steht hier zwischen Welt und Geist, zwischen Chaos und Ordnung. Die durchsichtigen Figuren symbolisieren geistige Durchlässigkeit – das Streben nach innerer Wahrheit. Es sind einfache Menschen mit technischem Wissen, die ein barock anmutendes Wunder erschaffen haben: ein Bauwerk voller Gegensätze, spiritueller Tiefe und vergänglicher Schönheit. Licht und Schatten, Theatralik und Illusion verschmelzen zu einem Gesamtkunstwerk, das berührt – und doch bald vom Fortschritt hinweggefegt wird.

„Der Mensch hat es selbst so gewollt Leonardo – das Neue zeigt sich bereits, schnörkellos, perfekt und effizient.“
Ich wollte dir die neue Technologie näherbringen: Der KI-Algorithmus ist ein mathematisches Verfahren, das aus Daten lernt, Muster erkennt und Entscheidungen trifft – autonom und effizient. Doch diese Entwicklung bedroht unser seit der Renaissance gewachsenes Weltbild. Deine ganzheitliche Sicht – Kunst, Wissenschaft, Technik und Philosophie als Einheit – wird durch eine fragmentierte, datengetriebene Perspektive ersetzt. Wo einst Erkenntnis, Schönheit und Harmonie zählten, dominieren heute Effizienz und Kontrolle. Die mittelalterliche Renaissance wird heute zum neuen Barock. KI automatisiert das Staunen, erzeugt Kunst und Philosophie – aber ohne Bewusstsein für deren tiefere Bedeutung.

„Und damit, verehrter Leonardo da Vinci, komme ich zum letzten und wichtigsten Punkt: meine Unlust, Zweifel und Angst, überhaupt noch etwas zu erschaffen.“
Gibt es Hoffnung? Vielleicht, wenn wir uns den Boden unter den Füssen nicht so einfach wegziehen lassen, wie das auf dem Bild geschieht. Wenn wir KI nicht als Ersatz, sondern als Erweiterung des Denkens begreifen. Wenn wir dich, Leonardo, nicht vergessen, sondern neu interpretieren. KI kann – wie deine Zeichnungen – komplexe Zusammenhänge sichtbar machen und interdisziplinäre Brücken schlagen. Doch sie zwingt uns, neu über Menschlichkeit, Kreativität und Verantwortung nachzudenken – wie einst die Renaissance.

Fibonacci Stained Glass Project

komplette Serie gedruckt auf

Hahnemühle Museum Etching 350 g

90 x 90 cm

Holger Roick

2025

Mit der Präsentation dieses neuesten Werkes verspricht die Serie einen kraftvollen Dialog zwischen Kunst und Wissenschaft. Ich lade Sie ein, sich von der Anordnung der neun Quadrate nach Ihrem Geschmack überraschen zu lassen. Es gibt insgesamt verschiedene 362.880 Möglichkeiten!

 

Shapes of Joy

Shapes of Joy

imágen 60 x 60 cm (80 x 80 cm lienzo)

   Holger Roick  

2025

#8 Shapes of Joy (número 3 en la serie Fibonacci)

Siempre que comienzo un nuevo cuadro, algo empieza a vibrar en mí. Me siento más vivo, como si todo estuviera nuevo y a la vez familiar y, por encima de todas las dudas, triunfa clara y rotundamente una certeza: ¡esta es mi tarea, no puede esperar!

Una pintura debería resonar en ti, al menos eso es lo que desea el artista visual. Las formas y los colores se transforman en notas y, si todo sale bien, mientras tú, estimado lector, observas la obra, debería surgir una melodía que te acompañará y ojalá siga resonando en tu interior durante mucho tiempo.

Se sabe que el compositor y director de orquesta Franz Liszt dio instrucciones como "más azul" o "no tan rosa" durante los ensayos para describir el carácter del sonido deseado. Estas descripciones de colores le ayudaron a transmitir la calidad emocional y sonora de la música, incluso si sus músicos no podían ver estos colores. Sus sensaciones sinestésicas ayudaron a hacer su música aún más vívida y expresiva. La sinestesia juega un papel fascinante en el arte, difuminando los límites entre los sentidos y permitiendo nuevas formas de expresión creativa. Las personas que tienen experiencias sinestésicas pueden ver sonidos, oír colores o incluso sentir sabores, lo que hace que una obra inspirada de esta manera sea única y multidimensional.

De todos los géneros musicales, quería elegir una sola pieza a través de la cual la música pudiera presentarse como una ciencia. La difícil elección para mi cuadro finalmente recayó en la Novena Sinfonía de Ludwig von Beethoven. En primer lugar, porque representa uno de los logros más importantes de toda la historia de la música. ‘La Novena’ es una de las obras más famosas y una de las sinfonías más interpretadas del mundo. Esta, también conocida como “Oda a la alegría”, está en re menor, pero el movimiento final culmina en Re mayor, lo que le da a la obra un tono triunfal y esperanzador. Este cambio de re menor a Re mayor corresponde enteramente a la esencia de la música que describe Hermann Hesse en ‘El juego de abalorios' de esta manera: “La música se basa en la armonía entre el cielo y la tierra, en la concordancia de la oscuridad y la luz”.                                                                    

La cuarta y última parte de la sinfonía, cantada por solistas y coro, representa una transición simbólica hacia una atmósfera optimista y jubilosa, en perfecta armonía con el mensaje de fraternidad y alegría universal.

Ya desde el período barroco, el Re mayor se consideraba la “clave de la gloria” y estoy seguro de que los conciertos virtuosos para trompeta en Re mayor de este período, como por ejemplo los de Leopold Mozart o Telemann, las sonatas para trompeta en Re mayor de Corelli, Purcell y Torelli, así como “La trompeta debe sonar” del Mesías de Haendel, también en Re mayor, fueron la gran inspiración de Beethoven para el movimiento final de su sinfonía.

El hecho de que los sonidos puedan verse y que esto pueda, como se ha descrito más arriba, provocar en el cuerpo del espectador una vibración que el artista pretendía, se debe en particular al científico Ernst Florenz Friedrich Chladni (1756-1827).

El físico y músico aficionado se dedicó al estudio de la acústica y su libro “Descubrimiento de la teoría del tono” fue el primer tratado general sobre la ciencia de la acústica. Chladni ilustró su libro con diagramas de los movimientos oscilantes de placas metálicas delgadas. Para estos experimentos, cubrió las placas con finas capas de arena. Luego se hicieron vibrar pasando un arco de violín sobre varios puntos de sus bordes. En las zonas inmóviles se formaron líneas de nudos y patrones en los que la arena fue empujada lejos de las áreas vibrantes. Chladni analizó estos patrones de arena, los clasificó según sus formas geométricas y anotó el tono correspondiente a cada uno. Los patrones resultantes muestran una conexión directa entre el sonido y la forma. La sistemática visual y la belleza de las figuras geométricas, que se forman de manera caleidoscópica con frecuencias cada vez mayores, son comparables a la sistemática y belleza de la música.

Los experimentos de Chladni fueron fundamentales para comprender la relación entre el sonido y la forma y sentaron las bases para el desarrollo de lo que se conoce como cimática. Uno de los avances más recientes de la cimática es el Cymascope, un aparato que utiliza tecnología digital para crear imágenes de los patrones de vibración del sonido en el agua. A diferencia de los experimentos de Chladni, que utilizaban arena o polvo, el Cymascope permite visualizar las vibraciones del sonido en tiempo real y con mayor precisión.

Para no convertir cada nota de la Novena Sinfonía en cientos de patrones de Chladni, que era mi plan original, quería limitarme a representar la tonalidad del movimiento final de la sinfonía y su conexión con la tríada armónica. La tonalidad y la tríada (acorde) están estrechamente relacionadas. La tonalidad da a la música su dirección y crea una sensación de tensión y resolución. Una tríada o acorde es el elemento básico de la armonía en la música. Una tríada de Re mayor consta de las tres notas Re, Fa♯ y La. Juntas, estas notas forman los sonidos brillantes y armoniosos de un acorde mayor. Se utiliza a menudo en pasajes musicales alegres y festivos.

Para examinar la imagen, consideremos una vez más el concepto de sinestesia. El término proviene del griego: syn significa “juntos” y aisthesis “sensación”. Se trata de una fascinante peculiaridad neurológica en la que la estimulación de un sentido desencadena automáticamente una respuesta en otro sentido. Describe entonces la experiencia simultánea de varias impresiones sensoriales.

Esto explica por qué también se puede escuchar la obra “The Key of Glory”. Si Chladni fue capaz de hacer visibles los sonidos, surge inmediatamente la pregunta de si también es posible oír colores y formas. Se dice que un artista “compone” el cuadro. Si el artista visual consigue provocar determinadas vibraciones en el espectador de su obra, éstas a su vez deberían poder traducirse también en sonidos. De la misma manera como ciertas vibraciones ya están trabajando dentro del artista, las cuales traduce en colores y formas. ¿Pueden las personas ciegas ver imágenes porque las oyen o porque las tocan? Beethoven ya era sordo cuando compuso ‘La Novena’ y nunca podía oírla. Con estas últimas reflexiones, ¿acaso hemos descubierto, sin pretenderlo y sin darnos cuenta, las condiciones y la naturaleza de la inspiración?

Shapes of Joy

Bild 60 x 60 cm (80 x 80 cm Bildträger)

   Holger Roick  

2025

#8 Shapes of Joy (Nummer 3 in der Fibonacci-Serie)

Immer, wenn ich ein neues Bild angehe, beginnt etwas in mir zu schwingen. Ich fühle mich lebendiger als zuvor, alles ist neu und doch bekannt und über allen Zweifeln triumphiert klar und deutlich die Gewissheit: hier ist meine Aufgabe, sie kann nicht warten!

Ein Bild soll in dir klingen, zumindest wünscht sich der bildende Künstler dies. Formen und Farben verwandeln sich in Noten und wenn alles klappt, soll, während du, verehrter Leser, das Bild betrachtest, eine Melodie entstehen, die dich begleitet und hoffentlich noch lange in dir weiterschwingt.

Es gibt Berichte, dass der Komponist und Dirigent Franz Liszt während Proben Anweisungen wie „mehr Blau“ oder „nicht so rosa“ gab, um den gewünschten Klangcharakter zu beschreiben. Diese farblichen Beschreibungen halfen ihm, die emotionale und klangliche Qualität der Musik zu vermitteln, auch wenn seine Musiker diese Farben nicht sehen konnten. Seine synästhetischen Empfindungen trugen dazu bei, seine Musik noch lebendiger und ausdrucksstärker zu gestalten. Synästhesie spielt eine faszinierende Rolle in der Kunst, da sie die Grenzen zwischen den Sinnen verschwimmen lässt und neue kreative Ausdrucksformen ermöglicht. Menschen, die synästhetische Erfahrungen machen, können Klänge sehen, Farben hören oder sogar Geschmäcke fühlen, ein in dieser Art inspiriertes Werk macht es einzigartig und multidimensional.

Aus allen Genres der Musik wollte ich ein einziges Stück auswählen, anhand dessen die Musik als Wissenschaft dargestellt werden kann. Die schwierige Wahl für mein Bild fiel schliesslich auf Ludwig von Beethovens Neunte Symphonie. Zum einen, weil sie eine der Krönungen der gesamten Musikgeschichte darstellt. ‘Die Neunte’ ist eines der bekanntesten Werke und eine der meistgespielten Symphonien der Welt. Diese, auch bekannt als „Ode an die Freude“, ist zwar in d-Moll angelegt, doch gipfelt der letzte Satz in D-Dur, was dem Werk einen triumphalen und hoffnungsvollen Ton verleiht. Dieser Wechsel von d-Moll nach D-Dur entspricht ganz dem Wesen der Musik, welches Hermann Hesse im Glasperlenspiel folgendermassen beschreibt: “Die Musik beruht auf der Harmonie zwischen Himmel und Erde, auf der Übereinstimmung des Trüben und des Lichten”. Der von Solisten und Chor gesungene vierte und letzte Teil der Symphonie stellt einen symbolischen Übergang zu einer optimistischen und jubelnden Atmosphäre dar, in perfekter Harmonie mit der Botschaft der Brüderlichkeit und universellen Freude.

Schon im Barock galt D-Dur als die „Tonart des Ruhms“ und ich bin mir sicher, dass die virtuosen Trompetenkonzerte in D-Dur aus dieser Zeit, wie etwa die von Leopold Mozart oder Telemann, Trompetensonaten in D-Dur, z.B. von Corelli, Purcell und Torelli, sowie „The Trumpet Shall Sound“ aus Händels Messias, ebenfalls in D-Dur, Beethoven für den Schlusssatz seiner Sinfonie wesentlich inspiriert haben.

Das Töne gesehen werden können -und dies möglicherweise, wie oben beschrieben, zu einer vom Künstler gewünschten Schwingung im Körper des Betrachters führen kann- haben wir insbesondere dem Wissenschaftler Ernst Florenz Friedrich Chladni (1756-1827) zu verdanken.

Der Physiker und Amateurmusiker widmete sich dem Studium der Akustik und sein Buch „Entdeckung der Tonhöhentheorie“ war die erste allgemeine Abhandlung über die Wissenschaft der Akustik. Chladni illustrierte sein Buch mit Diagrammen der Schwingbewegungen dünner Metallplatten. Für diese Experimente bedeckte er die Platten mit dünnen Sandschichten. Anschließend wurden diese in Schwingung versetzt, indem man mit einem Geigenbogen über verschiedene Punkte an deren Kanten zog. In den bewegungslosen Bereichen bildeten sich Knotenlinien und Muster, in denen der Sand von den vibrierenden Bereichen weggeschoben wurde. Chladni analysierte diese Sandmuster, klassifizierte sie nach ihren geometrischen Formen und notierte jeweils die entsprechende Tonhöhe. Die entstehenden Muster zeigen eine direkte Verbindung zwischen Ton und Form. Die visuelle Systematik und Schönheit der sich mit jeweils steigender Frequenz

kaleidoskopisch bildenden, ganz unterschiedlichen geometrischen Figuren ist der Systematik und Schönheit von Musik vergleichbar.

Chladnis Experimente waren grundlegend für das Verständnis der Beziehung zwischen Klang und Form und legten den Grundstein für die Entwicklung der sogenannten Kymatik.

Einer der jüngsten Fortschritte in der Kymatik ist das Cymascope, ein Apparat, der mithilfe digitaler Technologie Bilder der Schwingungsmuster von Schall im Wasser erstellt. Im Gegensatz zu Chladnis Experimenten, bei denen Sand oder Staub verwendet wurden, ermöglicht das Cymascope die Visualisierung von Schallschwingungen in Echtzeit und mit größerer Präzision.

Um nicht jede einzelne Note der neunten Sinfonie in hunderte von Chladni-Muster umzuwandeln, was mein ursprünglicher Plan war, wollte ich mich lieber auf die Darstellung der Tonlage des Schlusssatzes der Symphonie und seiner Verbindung zum harmonischen Dreiklang beschränken. Tonalität und Dreiklang (Akkord) sind eng miteinander verbunden. Die Tonalität gibt der Musik ihre Richtung und sorgt für ein Gefühl von Spannung und Auflösung. Ein Dreiklang oder Akkord ist der grundlegende Baustein der Harmonie in der Musik. Ein D-Dur Dreiklang besteht aus den drei Tönen D, F♯ und A. Zusammen bilden diese Töne die hellen und harmonischen Klänge eines Dur-Akkords. Er wird oft in fröhlichen und feierlichen musikalischen Passagen verwendet.

Für die Betrachtung des Bildes führen wir uns noch einmal den Begriff der Synästhesie vor Augen. Der Begriff stammt aus dem Griechischen: syn bedeutet „zusammen“ und aisthesis „Empfinden“. Sie ist eine faszinierende neurologische Besonderheit, bei der die Stimulation eines Sinnes automatisch eine Reaktion in einem anderen Sinn auslöst. Es beschreibt also das gleichzeitige Erleben mehrerer Sinneseindrücke.

Damit ist gesagt, warum man das Bild ‘The Key of Glory’ auch hören kann. Wenn Chladni Töne sichtbar machen konnte, drängt sich unmittelbar die Frage auf, ob man nicht auch Farben und Formen hören kann. Man sagt, ein Künstler ‘komponiert’ das Bild. Wenn der bildende Künstler es schafft, im Betrachter seines Werks bestimmte Schwingungen auszulösen, müssten diese ihrerseits doch auch in Töne umgesetzt werden können. So wie in ihm selbst bereits Schwingungen am Werk sind, die er in Farben und Formen übersetzt. Können Blinde Bilder sehen, weil sie sie hören oder ertasten? Beethoven war bereits taub, als er ‘Die Neunte’ komponierte, hören konnte er sie nicht mehr. Haben wir mit diesen letzten Gedanken vielleicht unbeabsichtigt die Bedingungen und das Wesen der Inspiration entdeckt?

 

 

 

Mysticism, Art an Science

 

Mystik, Kunst und Wissenschaft

 

„The most beautiful and most profound emotion we can experience is the sensation of the mystical. It is the sower of all true art and science.“

 Albert Einstein, What I Believe, 1930

                                          

 

Nach dieser Zeit, in der wir gelernt haben mit einer Pandemie zu leben, gibt es heute noch immer mehr Fragen als Antworten darauf, wie wir mit dieser neuen und bedrohlichen  Lebenssituation umgehen sollen. Vor diesem Hintergrund ist die Bedeutung wissenschaftlichen Denkens für mich zu einem Schlüsselthema geworden. Was kann oder muss die Wissenschaft als Hoffnungsträger in diesem Moment leisten, bringt sie allein die Lösung aller Probleme oder steht sie vor ganz neuen, bisher noch gar nicht ausreichend bedachten Herausforderungen? Wie ist Wissenschaft heute zu verstehen, nur als das Streben nach immer mehr Wissen?

In diesem Zusammenhang denke ich an ‚Mystik‘. Sie wird - vereinfacht gesagt - als die Suche nach Gottesnähe bzw. Gotteserfahrung im Sinne von etwas Dunklem und Geheimnisvollem verstanden, ist also auch direkt mit dem Thema „Glaube“ verbunden. Und im Sinne von Nicht-Wissen könnte Glaube als das Gegenteil von Wissenschaft angesehen werden.

Auch wenn es absurd erscheinen mag, ist für mich das Mystische, das Nichtwissen also, noch reichhaltiger als konkretes Wissen. Im Nichtwissen ist alles Wissen schon enthalten, in ihm liegt bereits der Keim jeden Wissens. Hat man die Höhen des Wissens einmal erklommen, vergisst man allzuschnell die dunklen Tiefen des Nichtwissens als eben jenen Motor, der die Dynamik des Wissen-wollens in Schwung hält. Man muss immer wieder erneut bereit sein, in die tiefen Schichten des Nichtwissens und des Staunens hinabzusteigen, um zu erneuertem und umfangreicherem Wissen zu kommen. Für das Gesamtpanorama des Wissens ist die Wissenschaft allein nicht mehr als seine oberste Schicht.

Das Bild der oben gezeigten geheimnisvollen Figur, ist sie ein Baum, eine Blume oder ein Engel? Oder ist es gar eine Seele? Zuallererst war sie lediglich eine Form. Ein Schattenbild, gefunden auf einer dick und schlecht verputzten Kirchenwand im Inneren der Kathedrale von Cuernavaca. Wahrscheinlich nur für mich so -und nur so- zu sehen. Etwa in der Art, wie die Wesen, die wir alle ab und an in den Wolken am Himmel suchen und dann auch (er-)finden. Was ich auf oder besser gesagt in dem Mauerputz der Kirche fand war dann noch längst nicht die Form, so wie wir sie heute sehen. Diese war auf dem Foto, welches ich von dem winzigen Mauerabschnitt machte, nur zu erahnen. Beim Bearbeiten des Fotos wurde die Figur durch verschiedene Kontrastgebungen langsam deutlicher bis sie schliesslich klar vor mir (auf dem Bildschirm) erschien. Das war sie, genau so, wie ich sie mir -ohne es zu wissen- vorgestellt hatte. Nichts anderes hatte ich gesucht, ich hatte die perfekte Form gefunden, der nichts hinzuzufügen und nichts wegzunehmen war! Diese übertrug ich und schnitt sie ins Holz. Zum ersten Mal für meine Bilderserie Glaube, Liebe, Hoffnung von 2009 gedruckt, wird dieser Holzschnitt, ein ‚Grafikglücksfall‘ in meiner aktuellen Serie ‚Mystik, Kunst und Wissenschaft‘ zum allgegenwärtigen Protagonisten.

Bei allen negativen Folgen der aktuellen Krise, menschlicher, gesellschaftlicher und wirtschaftlicher Art, sind bereits Veränderungen angestossen, welche die Welt in Post-Corona-Zeiten positiv beeinflussen werden. Der Menschheit wird gerade vor Augen geführt, dass die Lösung globaler Probleme ganzheitliche Strategien verlangt. Dabei ist unübersehbar geworden, dass bei der Suche nach Lösungen auch der Kunst eine weitere wichtige Schlüsselfunktion zukommt. Bei fundamentalen Entscheidungsfindungen sind wir auf eine holistische Sichtweise angewiesen, die uns besonders die Kunst liefern kann. Sie schafft es, selbst grösste Widersprüche zusammenzuschweißen und ihre grundsätzliche Verbundenheit darzustellen. Es bleibt daher zu hoffen, dass die Coronakrise dabei hilft, uns auf die Tugenden der Aufklärung zurückzubesinnen. Aus diesem Grunde haben ich mich dazu entschieden den Bund von Mystik und wissenschaftlichem Denken, geschlossen über die Kunst, zum zentralen Thema dieser neuen, in ihrem Stil vielleicht am ehesten als Pop-Art zu bezeichnenden Grafikbilderserie zu machen.

                                        Fibonacci Zahlenfolge 1 – 2 – 3 – 5 – 8 – 1 3 – 2 1 – 34 – 55

 

Insgesamt neun Grafiken mit den Massen 60 x 60 cm greifen die Bedeutung wissenschaftlichen Denkens künstlerisch auf. Jedes Bild stellt für sich einen Zusammenhang zu einer bestimmten Einzelwissenschaft her. Alle Bilder zusammen bilden ein in der Fibonacci Zahlenfolge angeordnetes, 180 x 180 cm grosses Quadrat.

Jede Grafik ist auf 10 Exemplare limitiert. Der Bildträger (60 x 69 cm) ist 100% Baumwollpapier ‚Museum Etching‘ der Marke Hahnemühle mit einem Gewicht von 350 g/m². Der Preis beträgt 340 EUR.

In einer weiteren auf 20 Exemplare limitierte Serie haben die Grafiken eine Grösse von 24 x 24 cm. Der Bildträger ist 30 x 32 cm gross, das Material ebenso Baumwollpapier ‚Museum Etching‘ der Marke Hahnemühle mit einem Gewicht von 350 g/m². Der Preis hierfür beträgt 120 EUR.

Misticísmo, Arte y Ciencia

 

„The most beautiful and most profound emotion we can experience is the sensation of the mystical. It is the sower of all true art and science.“

 Albert Einstein, What I Believe, 1930

Ahora, después de vivir con la pandemia, todavía hay más preguntas que respuestas sobre cómo hacer frente a esta nueva y amenazante situación de vida. En este contexto, la importancia del pensamiento científico se ha convertido en un tema clave para mí. Como un faro de esperanza, ¿qué puede o debe hacer la ciencia en este momento, resolverá todos los problemas por sí sola o se enfrenta a desafíos completamente nuevos que aún no han sido adecuadamente considerados? ¿Cómo debe entenderse la ciencia hoy, sólo como la lucha por más y más conocimiento?

En este contexto pienso en 'misticismo'. En pocas palabras, misticismo se entiende como la búsqueda de la cercanía a Dios o la experiencia de Dios en el sentido de algo oscuro y misterioso, por lo que también está directamente relacionado con el tema de la "creencia". Y en el sentido del no saber, la creencia podría verse como lo opuesto a la ciencia.

Aunque parezca absurdo, para mí lo místico, es decir, el no saber, es aún más rico que el conocimiento concreto. Todo conocimiento ya está contenido en la ignorancia, el germen de todo conocimiento ya está en ella. Una vez que uno ha escalado las iluminadas alturas del conocimiento, olvida demasiado rápido las oscuras profundidades de la ignorancia como el motor que mantiene en marcha la dinámica del querer saber. Uno debe estar dispuesto una y otra vez a descender a las capas profundas de la ignorancia y al asombro para llegar a un conocimiento mayor y renovado. Para el panorama general del conocimiento, la ciencia por sí sola no es más que su capa superior.

La imagen de la figura misteriosa que se muestra arriba, ¿es un árbol, una flor o un ángel? ¿O es incluso un alma? En primer lugar, era solo una forma. Una silueta encontrada en el repello grueso y mal revocado de una pared dentro de la Catedral de Cuernavaca. Probablemente solo para que yo la vea, y solo así. Más o menos como una forma de los seres que todos buscamos de vez en cuando en las nubes en el cielo y luego también encontramos (o inventamos). Lo que encontré en -o más bien dentro- del yeso de la pared de la iglesia estaba todavía lejos de la forma que vemos hoy. Ésta solo se podía adivinar en la foto que tomé de la pequeña sección de la pared. Mientras editaba la foto, la figura se fue apareciendo poco a poco a través de diferentes contrastes y así sucesivamente, hasta que finalmente la ví claramente frente a mí (en la pantalla de la computadora). Ahora fue exactamente como me lo había imaginado, sin saberlo. ¡No buscaba nada más, había encontrado la forma perfecta, sin nada que agregar y nada que quitar! Transferí la imagen y lo corté en madera. Utilizado por primera vez en mi serie de xilografías ‚Fe, Caridad y Esperanza‘ del 2009, este 'golpe de suerte gráfico' se convierte en el protagonista de mi nueva serie.

Con todas las consecuencias negativas de la crisis actual, otras crisis humanas, sociales y económicas, ya se han iniciado cambios que influirán positivamente en el mundo en los tiempos posteriores al coronavirus. A la humanidad se está revelando hoy la certidumbre que resolver problemas globales requiere estrategias holísticas. Se ha hecho evidente que en la búsqueda de soluciones, el arte tiene otra función clave importante. Cuando se trata de la toma de decisiones fundamentales, dependemos de una perspectiva holística, que el arte en particular puede brindarnos. El arte se las arregla para unir hasta las mayores contradicciones y mostrar su conexión fundamental con todo. Por lo tanto, es de esperar que la crisis de la pandemia nos ayude a reflexionar sobre las virtudes de la ilustración. Por esta razón, he decidido hacer del vínculo que existe entre el misticismo y el pensamiento científico, conectado a través del arte como con un eje, el tema central de esta nueva serie de imágenes, en un estilo que quizás se pueda describir como un nuevo arte pop.

 

 

 Serie Fibonacci 1 – 2 – 3 – 5 – 8 – 1 3 – 2 1 – 34 – 55

Un total de nueve imagenes con el tamaño de 60 x 60 cm, retoman artísticamente la importancia del pensamiento científico. Cada imagen individual establece una conexión con una ciencia individual específica. Todas las imágenes juntas forman un cuadrado de 180 x 180 cm dispuestas en la secuencia de números de Fibonacci. La edición está limitada a 10 ejemplares. El soporte de la imagen (60 x 69 cm) es papel 100% algodón 'Museum Etching' de la marca Hahnemühle con un peso de 350 g/m². El precio de cada imagen es de 340 EUR.

En otra serie limitada a 20 ejemplares, las gráficas tienen un tamaño de 24 x 24 cm. El soporte es del mismo material con las medidas de 30 x 32 cm. El precio por esto es de 120 Euro.